Esta asignatura la cursé en mi último año de carrera de Bellas Artes y podría llamarse perfectamente ''pintura y arte pop'' pues en ella aprendimos muchas técnicas de esta disciplina.
Principalmente aprendimos a pintar en tintas planas, a trasferir fotografias a otros soportes y a valernos de los collages o los ensamblages para expresarnos.
Pudimos exponer en clase la vida de un artista en concreto y al final se hizo una exposición en la que no participé.
Fué aqui donde tomé contacto por primera vez con la pintura acrílica después de haber pintado toda la vida al óleo.
Pintura y medios de masa me ayudó enormemente a pintar como lo hago ahora aunque no tiene nada que ver con lo que aprendí en la facultad.
Un saludo y que Dios os bendiga!

Aquí hago una reseña a una serie de dibujos animados que me ha influido a la hora de dibujar, Los Simpson (en inglés, The Simpsons) es una serie estadounidense de comedia, en formato de animación, creada por Matt Groening para Fox Broadcasting Company y emitida en varios países del mundo. La serie es una sátira de la sociedad estadounidense que narra la vida y el día a día de una familia de clase media de ese país (cuyos miembros son Homer, Marge, Bart, Lisa y Maggie Simpson) que vive en un pueblo ficticio llamado Springfield.La familia fue concebida por Groening y poco después debutó en una serie de cortos de animación producidos por James L. Brooks.​ Groening creó una familia disfuncional y nombró a sus personajes en honor a los miembros de su propia familia, sustituyendo su propio nombre por Bart.​ Los cortos pasaron a formar parte de El show de Tracey Ullman el 19 de abril de 1987,​ pero después de tres temporadas se decidió convertirlos en una serie de episodios de media hora en horario de máxima audiencia. Constituyó un éxito de la cadena Fox y fue la primera serie de este canal en llegar a estar entre los 30 programas más vistos en la temporada 1992-1993 en Estados Unidos.
Desde su debut el 17 de diciembre de 1989, se han emitido más de 600 episodios, habiendo finalizado su vigésimoctava temporada.​ En el final de la decimoctava temporada, el 20 de mayo de 2007, se emitió en Estados Unidos el episodio 400: You Kent Always Say What You Want. En la mayoría del mundo los días 26 y 27 de julio de 2007 se estrenó Los Simpson: la película, la cual recaudó cerca de 526 millones de dólares en todo el mundo.
Los Simpson ha ganado numerosos premios desde su estreno como serie, incluyendo 25 premios Emmy, 24 premios Annie y un premio Peabody. La revista Time del 31 de diciembre de 1999 la calificó como la mejor serie del siglo XX,​ y el 14 de enero de 2000 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Los Simpson es una de las series estadounidenses de dibujos animados de mayor duración y el programa estadounidense de animación más largo.​ El gruñido de fastidio de Homer «D'oh!» ha sido incluido en el diccionario Oxford English Dictionary, mientras que la serie ha influido en muchas comedias de situación animadas para adultos.

Un saludo y que Dios os bendiga!
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Adami es un artista que ha influido un poco en mi manera de pintar, salvando las distancias, Valerio Adami recibe una sólida formación en el estudio de Achille Funi, en la Accademia di Belle Arti di Brera, de Milán (1951-54). Se instala en París en 1957, y a partir de entonces desarrolla su actividad a caballo entre Francia e Italia.
Su estilo inicial es expresionista, y combina imágenes violentas y chistosas, bajo influencia de Roberto Matta y las tiras de cómic. Protagoniza su primera exposición importante en 1962 (Londres, Institute of Contemporary Art), y pronto participa en la DocumentaIII de Kassel.
A mediados de los 60, Adami fija su estilo más conocido, de influencia pop: imágenes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensos colores planos. Su proceso creativo arranca de fotografías y demás imágenes de su entorno, que desmenuza, combina y presenta en formas esquemáticas. Su éxito es rápido, y en 1968 representa a Italia en la Bienal de Venecia.
En esa época, decora con cuatro grandes murales la sede del Firstar Bank en Madison (Wisconsin, EE.UU.)
Las imágenes creadas por Adami ofrecen frecuentemente fragmentos de la sociedad moderna, objetos sacados de contexto y perspectiva y que así parecen nuevos. En sus primeros años de estilo pop, crea visiones de espacios desiertos, pero posteriormente representa a personajes de la cultura moderna como Sigmund Freud y James Joyce.
Su etapa más reciente, a partir de los 80, se centra en la creación de espacios fantásticos donde revitaliza los mitos de la cultura occidental desde Ovidio, plasmando alusiones a la belleza, la creatividad, el deseo y el sexo.
Se le dedica un número de Eighty, revista francesa sobre el arte de los años 80; es también estudiado por The New Yorker, y merece estudios críticos de Italo Calvino y Jacques Derrida.
En 1985 se le dedica una antológica en el Centro Georges Pompidou de París y en el Communo de Milán. Hay que destacar otras exposiciones en Boston, Bruselas, Hamburgo, México, Jerusalén, París (Musee d´Art Moderne de la Ville) y Milán (Palazzo Reale). En 1993 se crea la Academia-Fundación Adami en Liechtenstein.
En 2005, se le dedica una exposición de dibujos en Madrid. Sin embargo, su presencia en colecciones españolas es muy limitada. Se mencionan obras suyas en el IVAM de Valencia, que le había dedicado una muestra individual a finales de los 90.
Un saludo y que Dios os bendiga!

Un cómic que hizo las delicias de mi niñez y juventud, Astérix el Galo (en francés, Astérix le Gaulois) es una serie de historietas cómicas francesa creada por René Goscinny (guion) y Albert Uderzo (dibujo), aparecida por primera vez el 29 de octubre de 1959 en la revista Pilote antes de ser publicadas como álbum. La serie fue concebida en el suburbio de Bobigny (Sena-San Denis), Francia.
Traducida a multitud de idiomas (incluyendo latín y griego antiguo), está disponible en otros muchos países, lo que la convierte probablemente en la historieta francesa más popular del mundo y en la más popular del ámbito francófono, junto a la belga Tintín.
Un elemento clave para el éxito de las series es el hecho de que contiene elementos cómicos para lectores de distintas edades: a los niños suelen gustarles las peleas y otros gags visuales, mientras que los adultos suelen apreciar las alusiones a la cultura clásica, las figuras contemporáneas y los juegos de palabras.

Trascendencia

• El primer satélite lanzado por Francia en 1965 se llamó Astérix.
• Astérix es todo un símbolo cultural para Francia. Junto a Tintín y Lucky Luke, es el cómic europeo más popular.
• El nombre de la mascota de la Copa Mundial de Fútbol de 1998 en Francia, Footix, fue originado por el sufijo -ix de los nombres de los personajes.
• Durante la campaña de París a la sede de los Juegos Olímpicos de 1992 Astérix aparece en muchos carteles sobre la Torre Eiffel.
• Action Comics (número 579), publicado por DC Comics en 1986, escrito por Lofficier e ilustrado por Keith Giffen, ofreció un homenaje a Astérix, donde Superman y Jimmy Olsense trasladan en el tiempo hasta una pequeña aldea de galos indomables.
• El partido final de fútbol de Copa Mundial de la FIFA en 2006 entre Francia e Italia fue representado en los periódicos franceses como una lucha entre legiones romanas y aldeanos galos.
• A Obélix se le menciona en el tema "My boulder" de The King Blues.
• Un total de 34 estrellas del cómic internacional, desde David Lloyd (dibujante de V de Vendetta) hasta Zep (creador de Titeuf), el italiano Milo Manara o los españoles Forges y Juanjo Guarnido participaron en un cómic en homenaje a Uderzo por su 80.º aniversario y un homenaje a Astérix.
• Pese a ser muy popular en Europa y América Latina, Astérix no lo es tanto en Estados Unidos, donde su fama es moderada, ya que tiene por encima a personajes de los cómics americanos y mangas japoneses.

Un saludo y que Dios os bendiga!

Durante tres años cursé asignaturas de escultura en la facultad de San Carlos y aunque no era mi especialidad, las disfruté enormemente.
En ellas se podían desarrollar enormes cuotas de creatividad y enfrentarme a las tres dimensiones desde la escultura en madera, barro, metal, cera, o la performance.
Una manera muy personal de evadirme de la realidad y hacer algo diferente de mi querida pintura y dibujo.
​Un saludo y que Dios os bendiga!

Una serie que seguí de pequeño, Dragon Ball trata básicamente sobre la lucha entre el bien y el mal.​ Al principio, algunos de los personajes quieren reunir las siete Dragon Balls para pedir algún deseo personal, pero se enteran de que dichos objetos también son buscados por otros con fines malignos, lo cual les lleva a enfrentarse a ellos en más de una ocasión. Posteriormente aparecen adversarios más poderosos que los anteriores, con objetivos como conquistar la Tierra o exterminar a la humanidad;​ de tal forma que en la trama abundan varios elementos característicos de la ciencia ficción.​ Gokū y sus amigos representan el bien e intentan erradicar el mal con ayuda de las Dragon Balls y otros objetos mágicos, sin que la muerte represente un obstáculo definitivo para ellos, ya que pueden revivir con ayuda de dichos objetos.
Uno de los valores que trata es la amistad, toda vez que varios de los deseos que los protagonistas piden al juntar las esferas son para revivir a amigos que murieron. Además Gokū siempre acude a ayudar a sus amigos cuando estos están en peligro.​ El protagonista ofrece una imagen de «redención y esperanza» así como de crecimiento personal al incrementar su poder de manera notable conforme transcurre la serie: «Gokū lucha para mejorar y desarrollar sus habilidades porque le hace sentirse más fuerte y feliz [...] Busca enemigos más fuertes para obligarse a mejorar y probar que es mejor que antes, no para ratificar su existencia e invalidar la de sus oponentes». Esto último, queda ejemplificado en las diferentes ocasiones en que el personaje se emociona al conocer a un enemigo desafiante o como cuando, poco antes de derrotar a Majin Boo, él le dice: «[Majin Boo] Eres un ser increíble, diste lo mejor de ti y por eso te admiro. Pasaste por varias transformaciones, fuiste tan poderoso que todos nosotros te odiamos.. [...] te estaré esperando para pelear, yo también entrenaré, entrenaré mucho para volverme más fuerte. Adiós Majin Boo». A grandes rasgos, la serie da a entender que cualquiera puede superarse y lograr sus objetivos, siempre y cuando uno se esmere constantemente en lo que hace o anhela​ y que hay que «enfrentarse a los problemas en lugar de huir de ellos». De igual forma, supone que si hay un manejo apropiado de la ira, cabe la posibilidad de usarla como «herramienta motivacional» para esforzarse más,​ como ocurre cuando los saiyajin usan este sentimiento para adquirir más poder y determinación en sus combates. Y explica que la maldad puede llegar a convertirse en bondad, tal y como ocurre con algunos personajes de la serie como Vegeta.
La serie también posee varias referencias a temas sexuales. Estos abundan especialmente en la primera parte de la obra; por ejemplo, Oolong está enamorado secretamente de Bulma y suele pensar de manera pervertida estando cerca de ella, mientras que Kame Sennin presenta recurrentes hemorragias nasales cuando se excita al ver o pensar en mujeres desnudas. Este tipo de alusiones provocó controversia y censura de varias escenas del anime a lo largo de su transmisión fuera de Japón.
Un saludo y que Dios os bendiga!

Este museo lo pude visitar durante mi Erasmus, La Neue Nationalgalerie (Nueva Galería Nacional), es un museo diseñado por el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe. Está ubicado en Berlín, en la zona de Tiergarten, y fue inaugurado en 1968.
El museo forma parte del complejo de edificios culturales de Berlín (Kulturforum), y está principalmente dedicado al arte del siglo XX, con particular énfasis en expresionismo, cubismo y Bauhaus. Contiene obras de Klee, Munch, Kandinsky y Pablo Picasso, entre otros importantes artistas.
Este es el último museo del afamado arquitecto Mies van der Rohe, y la primera obra que realizó en Berlín.
Exteriormente el edificio se constituye como un gran zócalo de piedra sobre el que se eleva una enorme cubierta metálica cuadrada sustentada por ocho pilares perimetrales. Retranqueado de la cubierta, se dispone un cerramiento enteramente de vidrio, por lo que visualmente, el espacio del museo es prácticamente un trozo de explanada cubierto, sólo interrumpido por dos pastillas de comunicación vertical y aseos. Sin embargo, en condiciones normales, el espacio de museo contiene elementos de tabiquería que varían con las distintas exposiciones y que limitan esa continuidad visual. Este edificio es una de las muestras más representativas y refinadas de la búsqueda de la elegancia mediante la simplicidad conceptual y constructiva: un reflejo de la famosa frase "menos es más" que popularizara este mismo arquitecto.
Este espacio a nivel de superficie es sólo una parte del museo, que hace las veces de atrio, mientras que las salas de exposición principales se sitúan bajo tierra.

​Un saludo y gracias por leerme, que Dios os bendiga!

Esta asignatura la tuve en tercero de carrera y aunque el nombre podría indicar que se trataba de pintar al aire libre, nada mas lejos de la verdad. En una clase de unas veinte personas nos proponían un tema y teníamos que desarrollarlo en público, ya fuera con ayuda de audiovisuales, performances o materiales artísticos.
​Era un espacio muy libre y la verdad es que aprendí mucho de mis compañeros, de sus puntos de vista y soltarme hablando ante un grupo de personas.
También pudimos visitar en un día una granja escuela y celebrar el fin de curso en la playa.
​Un saludo y que Dios os bendiga!

Una influencia de mi arte, Patrick Caulfield.
​Patrick Caulfield estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros estaban alumnos como David Hockney y R. B. Kitaj. Después de que lo abandonara, regresó a Chelsea como profesor.
En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.
Desde alrededor de mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, After Lunch (1975) fue uno de los primeros ejemplos. Still-life: Autumn Fashion (1978) contiene una variedad de estilos diferentes -algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, pero un cuenco de ostras está representado más realísticamente, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas. Caulfield más tarde regresó a su estilo de pintura precedente, más desmontado.
Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo unos pocos objetos sencillos en un interior. Típicamente, usa áreas planas de color simple rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.
En 1987 Caulfield fue nominado al Premio Turner; en 1995 ganó el Premio Jerwood y en 1996 fue nombrado CBE.
El 24 de mayo de 2004, un fuego en un almacén destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluyendo una o más de Caulfield.
Murió el 29 de Septiembre de 2005, y está enterrado en el Cementerio de Highgate Cemetery. Entre los que han seguido su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.
¡Un saludo y que Dios les bendiga!

En el último año de carrera de Bellas Artes cursé esta asignatura.
Tenia muchos créditos y podías usar la clase a modo de estudio personal, siempre con la supervisión atenta del profesor.
Durante el curso realizamos diferentes actividades, exposiciones en público de temas artísticos y terminamos con una muestra de arte en el mercado de abastos de Valencia.
Terminé este curso y fui licenciado en Bellas Artes, una alegria inmensa, después llegaron tiempos de incertidumbre, pero eso es otra historia. Gracias facultad de San Carlos, 5 años de los mas felices de mi vida.
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