Si quieres ver arte de calidad de artistas contemporáneos vivos en Alicante, tienes que visitar la Lonja.

Este curioso edificio de estilo historicista con elementos magrebies, fue construido a principios del siglo XX (1917-1921) y fue un  proyecto que encargó la Junta de Obras del Puerto al Ingeniero de Caminos Próspero Lafarga.
El edificio, compuesto por una nave longitudinal con varios transversales que dejan entre ellos grandes patios semi-interiores, pasó a propiedad del Ayuntamiento de Alicante, el cual lo rehabilitó y dedicó al uso de sala expositiva, inaugurándose como tal en 1992.
A lo largo de su historia, como espacio expositivo, ha acogido numerosas exposiciones (pintura, escultura, historia, naturaleza, ...) y actividades (mercadillo Nuevo futuro, Festival de títeres - Festíteres, presentación de libros, entrega Premio Azorín, ...).
Dentro del edificio existen tres salas.

Un saludo y gracias por leerme.
​Que Dios os bendiga!

Un museo que he visitado en varias ocasiones, un lugar muy especial para mi.
​El Museo Nacional del Prado, en Madrid (España), es uno de los más importantes del mundo, 5así como uno de los más visitados (el decimoctavo en 2013 entre los museos de arte). Singularmente rico en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX, según el historiador del arte e hispanista Jonathan Brown «pocos se atreverían a poner en duda que es el museo más importante del mundo en pintura europea».
 
Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, el Greco, Goya (el artista más extensamente representado en el museo),​Tiziano, Rubens y el Bosco, de los que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, ​ a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto, Van Dyck o Poussin, por citar solo algunos de los más relevantes.
 
Alfonso E. Pérez Sánchez, antiguo director de la institución, afirmaba que «representa a los ojos del mundo lo más significativo de nuestra cultura y lo más brillante y perdurable de nuestra historia».
 
Por crónicas limitaciones de espacio, el museo exhibía una selección de obras de máxima calidad (unas 900), por lo que era definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Con la ampliación de Rafael Moneo, se previó que la selección expuesta crecería en un 50 %, con unas 450 obras más.​ A principios de 2017 el total de obras expuestas ronda las 1300.​ Además, en dicho año está prevista la reapertura de las salas del ático norte, y cuando se rehabilite el Salón de Reinos se colgarán en él entre 250 y 300 pinturas más.​
 
El inventario de bienes artísticos comprende, a febrero de 2017, más de 35 000 objetos, desglosados en 8045 pinturas, 10 219 dibujos, 6159 grabados y 34 matrices de estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de artes decorativas, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, 5306 fotografías, 4 libros y 155 mapas. ​
 
Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y sus enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y limitada en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.
 
El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, el Hermitage, el Metropolitan, la National Gallery de Londres, o incluso (a una escala mucho más reducida) el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas las escuelas y épocas. Por el contrario, es una colección intensa y distinguida, formada esencialmente por unos pocos reyes aficionados al arte, donde muchas obras fueron creadas por encargo. El fondo procedente de la Colección Real se ha ido complementando con aportaciones posteriores, que apenas han modificado su perfil inicial, puesto que, a diferencia de lo habitual en las pinacotecas nacionales de otros países, los esfuerzos, más que a completar las faltas, han ido dirigidos a reforzar el núcleo esencial.
 
Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores», enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet, Renoir y Toulouse-Lautrec, que visitaron el museo en el siglo XIX, hasta Picasso, Matisse, Dalí, Francis Bacon y Antonio Saura, quien decía: «Este museo no es el más extenso, pero sí el más intenso».
 
Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el protagonismo en el Prado, seguidas por el fondo francés, más limitado si bien con buenos ejemplos de Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. La pintura alemana cuenta con un repertorio discontinuo, con cuatro obras maestras de Durero y múltiples retratos de Mengs como principales tesoros. Junto al breve repertorio de pintura británica, circunscrito casi al género del retrato, hay que mencionar la pintura holandesa, una sección no demasiado amplia pero que incluye a Rembrandt.
 
Aunque sean aspectos menos conocidos, el museo cuenta también con una importante sección de Artes decorativas (Tesoro del Delfín) y con una colección de esculturas, en la que destacan las greco-romanas.
 
Junto con el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el llamado Triángulo del Arte, meca de numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones cercanas: el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otros pequeños museos.

Color II era una asignatura obligatoria en la carrera de Bellas Artes, la imagen que está arriba es un cuadro que realicé en dicha clase, a cargo del profesor Palomar seguimos profundizando en los aprendizajes de la pintura de primer año y tuvimos la oportunidad de pintar con modelos del natural y en formatos mas grandes.
Un saludo y gracias por leerme.
Que Dios os bendiga!

Roy Lichtenstein es una gran influencia en mi, a continuación les explico quien fue gracias a este articulo del diario digital 20minutos:
​Afirmaba que las grandes obras de la historia del arte son “un banco de imágenes”, una colección de logotipos artísticos que todos tenemos en la cabeza. Roy Lichtenstein buscaba la imagen clara y contundente que el espectador pudiera reconocer al instante.
 
Se atrevió a pintar lo que no le gustaba a nadie en el mundo del arte: comenzó en los años cuarenta a explorar la cultura popular, lo que se ve a diario en las revistas, en la publicidad, en las páginas amarillas y en los tebeos. Los envoltorios, lo vulgar y lo repetido eran para él una mina de inspiración.
 
Elevó a institución lo que nadie respetaba y desarrolló su arte pasando por encima de los pretenciosos, con una simpleza de tramas de cómic y motivos que parecían una burla (como una pelota de golf, un pollo asado o una radio). Así se abrió paso entre los expresionistas abstractos que triunfaban tras la II Guerra Mundial, como el atormentado Jackson Pollock, aclamados por la crítica más esnob del momento.
 
El Cotilleando a… de esta semana es para el pintor Roy Lichtenstein (1923-1997), un hombre descreído de su popularidad, que nunca quiso inventar nada, sino solo pintar y sentirse satisfecho con su pequeña revolución.
 
Se convirtió en inventor del Pop Art, en el envés del otro fundador del estilo, Andy Warhol, obsesionado por las marcas, mitómano y ególatra. Lichtenstein era tímido, callado y reflexivo, transmitía paz y trabajaba sorprendiéndose, incluso tras décadas de fama, de que sus obras se vendieran.
 
1. Nacido y criado en Manhattan (Nueva York), comenzó en la línea del expresionismo abstracto, emocional y contrario a la figuración. No se conserva ninguna obra de estos comienzos: el pintor renegó de ellas y las destruyó al encontrar su lenguaje propio.
 
2. Se matriculó en 1940 en la Ohio State University para especializarse en Bellas Artes. “Era de una tranquila sofisticación. Roy se había criado en Nueva York. Gran parte de los profesores por entonces procedían de Ohio, pero él ya había visto mucho del mundo del arte. (…) Con su manera de ser calmada, se ganó el respeto de todos sus colegas” recuerda el artista Sidney Chafetz, que fue su profesor en aquellos años.
 
3. Estudiando para su título de posgrado, fue nombrado profesor auxiliar en el departamento de Bellas Artes. En 1950 la universidad ya no le ofreció la plaza y él y su mujer Isabel se mudaron a Cleveland. Ella triunfaba como interiorista y él era dibujante, diseñador de muebles y de piezas mecánicas, decorador de escaparates… Por primera vez trabajaba con fines comerciales y entraba en contacto con los objetos mundanos. En sus obras comenzaron a introducirse contadores, válvulas, termómetros y otras piezas ajenas a los motivos canónicos.
 
4. Look Mickey (1961) fue la primera pintura en la que se alejó por completo del expresionismo abstracto. La obra protopop mostraba a un imperfecto pato Donald hablando al ratón Mickey. Todavía de trazos dubitativos, provocó en el artista un deseo de ruptura con todo lo que había pintado antes. Tenía miedo de dar el salto hacia un estilo que ni él sabía bien como defender, pero la atracción hacia esa puerta abierta no era fácil de ignorar.
 
5. Elaboró a partir del cuadro una colección en vistas a conocer a Ivan Karp, ayudante de Leo Castelli, un destacado marchante neoyorquino especializado en arte contemporáneo. Roy volvió a Nueva York -aún a costa de su felicidad matrimonial- porque languidecía como maestro y necesitaba jugárselo a todo o nada con el lenguaje radical que había desarrollado: “Comencé seriamente. Empleaba las otras pinturas -las abstractas- como alfombrillas. Como pintaba en el dormitorio, las ponía en el suelo para no mancharlo de pintura. Acabaron destrozadas. (…) Las pisaba y dejaba que cayeran gotas de pintura de otros cuadros sobre ellas. Al final las tiré, eran una docena o así”.
 
6. The Engagement Ring, Girl with Ball o The Refrigerator fueron parte de esta nueva colección. Comenzó a transformar las fórmulas del cómic en un lenguaje pictórico. Los contornos eran negros, la paleta se reducía al blanco, el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul). En 1961 empezó a aplicar extensiones de puntos que imitan las tramas de impresión o puntos Benday (en honor a su inventor, Benjamin Day, ilustrador y grabador). En estas primeras obras Lichtenstein los pintó a mano, pero después adoptó un sistema de plantillas.
 
7. Convertía las convenciones estéticas en clichés geométricos: “La nariz de la típica reina de la belleza estadounidense son dos comas verticales, no el contorno (…); y el estereotipo de hombre guapo es una única línea que representa el borde del labio inferior y una sombra debajo”.
 
8. El galerista Ivan Karp recuerda el día en que expusieron las obras de Lichtenstein por primera vez: “Fue muy en contra de la opinión de nuestra comunidad artística (…). ¡Ya sólo la temática era tan ajena! (…) Cosas comerciales, objetos procedentes de los periódicos. Todo era muy directo, anodino, frío, tonto de alguna manera. Un conservador de un museo local, muy amigo de la galería, dijo que habíamos ido demasiado lejos y que ya no le interesaría venir si pensábamos exponer este tipo de obras”.
 
9. Se convirtió en un estudioso de la imagen. Warhol repetía el motivo al estilo de una fábrica; Lichtenstein elevaba a los altares el objeto, le otorgaba el don de la individualidad y lo transformaba en abstracto. Los patrones del caucho negro de una rueda en Tire (1962) son un estudio geométrico. La pelota de golf que pintó ese mismo año, sobre un fondo casi igual de blanco, hace que la esfera parezca un círculo con manchas dentro.
 
10. En los cuadros-viñeta que lo hicieron popular, la acción se sitúa fuera del lienzo y lo que captura el pintor es un momento sin principio ni final, coronado con una frase enigmática dentro de un bocadillo. Siempre consideró la composición como uno de los pilares fundamentales de un cuadro. La contraposición de las tramas, las superficies lisas y los bocadillos buscaban ser un collage de texturas.
 
11. Se fue distanciando poco a poco de la realidad, creando un mundo artificial que lo devolvía progresivamente a la abstracción. Se suele atribuir una presunta frialdad a las obras de Lichtenstein, por la meticulosidad del diseño y las composiciones limpias, casi mecánicas. Él se defendía de estas acusaciones: “Quiero que mi trabajo se vea como algo programado e impersonal, pero no creo que yo sea personal cuando lo realizo. (…) Tendemos a confundir el estilo de la obra acabada con los métodos empleados para hacerla”.
 
12. Se dejó influir en los setenta, los ochenta y los noventa por el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como Landscape in fog (1996).
 
13. En una entrevista de 1967 habló de su interés por la sombra y la luz, que le llevó a esculpir cabezas de cerámica como Head with blue shadow (1965): “Siempre quise caracterizar a alguien como en un cómic. Iba a maquillar a una modelo con líneas negras alrededor de los labios, puntos en la cara y una peluca teñida de amarillo y negro. Estaba interesado en llevar los símbolos de las dos dimensiones a un objeto en tres dimensiones”.
 
14. El crítico Gene Swenson le pidió en una entrevista de 1963 que definiera el Arte Pop. Lichtenstein respondía entre inseguro y burlón: “No sé, el uso del arte comercial como tema en la pintura, supongo. Era bastante difícil encontrar una pintura lo suficientemente despreciable para que nadie quisiera colgarla. Todo el mundo colgaba cualquier cosa. Casi se podía colgar un trapo empapado de pintura, porque todos estaban acostumbrados a este tipo de cosas. El arte comercial era lo único que todos odiaban. Pero según parece tampoco lo odiaban lo suficiente”.
 
15. En los años ochenta experimentó con Brushstrokes, pinturas y esculturas de brochazos de colores que al principio se le resistieron por la dificultad de captarlas con realismo. “Parecían lonchas de bacon“, declaró en una entrevista el año de su muerte. Una reproducción de esas esculturas está en el patio del Edifio Nouvelle del Museo Reina Sofía de Madrid.
 
16. Siempre dudó de la duración de su éxito. Incluso poco antes de morir de una neumonía en 1997, cuando ya era un artista consagrado, su segunda mujer, Dorothy, recordaba que el artista decía con frecuencia “Sé que en cualquier momento alguien va a venir, me va a zarandear y me va a decir: señor Lichtenstein, es la hora de sus pastillas’.

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En esta ciudad viví cinco años, la conozco bien y me encanta.
Aquí estudié la licenciatura de Bellas Artes y fueron uno de los años mas felices de mi vida
Una ciudad ni grande ni pequeña, con excelente clima y playas a disposición del usuario.
Pude vivir en la zona de las universidades (pza. honduras), detras del ayuntamiento, en benimaclet y en el carmen, cada sitio con su encanto, cada lugar con sus rincones pintorescos.
Me encantaba visitar el IVAM y ver las últimas colecciones de arte del siglo XX, bailar electrónica en Le club y por supuesto pintar y dibujar en la facultad, querida facultad.
El año que llegué, el equipo de fútbol de la ciudad ganó la liga y la UEFA y decidí hacerme seguidor, artista y futbolero, gran mezcla.
Como me gustaba andar podía perderme por el antiguo cauce del río Turia, llegar hasta la Ciudad de las Artes y las Ciencias y disfrutar de la belleza del entorno.
Me aficioné también a la bicicleta y es que una ciudad tan plana invitaba a ser recorrida una y otra vez.
Fui asiduo del metro y del tranvía y siempre llegaba a donde quería en un plis plas, valencia te echo de menos, quizá este año vuelva a visitarte después de tanto tiempo, una foto en la plaza de la virgen se lo merece, y en la lonja y en el mercado de abastos, y en las torres de serrano y de quart, ...si me siento intrépido podré ver un atardecer en la albufera y respirar hondo porque una vez estuve aquí y mi alma, mi cuerpo y mi mente fueron felices.
​Un saludo y que Dios os bendiga!

La primera vez que vi esta serie flipé, allá en mi juventud temprana, ​Captain Tsubasa (キャプテン翼 Kyaputen Tsubasa) (literalmente en español Tsubasa 翼 - Alas), es un manga creado en 1981 por el historietista japonés Yōichi Takahashi. El anime de la serie fue conocido en Hispanoamérica como Super campeones y en España como Campeones: Oliver y Benji.
 
El anime se desarrolló apenas dos años después de que circulara el respectivo manga del mismo nombre, y tuvo gran éxito a nivel internacional, siendo emitido originalmente entre 1983 y 1986 por la cadena TV Tokyo y dirigida por Isamu Imakake. En las décadas siguientes se hicieron cortas secuelas televisivas, las cuales no lograron el mismo impacto de la primera adaptación.
 
La historia tiene como tema central el fútbol, narra las intrépidas aventuras de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el anime en español) y sus amigos desde la infancia hasta que son profesionales y llegan a formar parte de la selección nacional de Japón. La Asociación de Fútbol de Japón apoyó el desarrollo de la serie, debido a su potencial para crear aficionados a este deporte.
 
La trama se centra en la relación de Tsubasa con sus amigos, la rivalidad hacia sus oponentes, los entrenamientos, la competición y los acontecimientos en cada uno de los partidos que se juegan. Es importante anexar que los mangas, películas y videojuegos complementan la historia u ofrecen una realidad alternativa de la serie. Estos partidos se caracterizan por las detalladas, espectaculares y, a menudo, imposibles jugadas que llevan a cabo los personaje

​Un saludo y que Dios os bendiga!

Una serie que me encantaba de pequeño, David el Gnomo.
David el Gnomo es una serie de dibujos animados de origen español, emitida por primera vez en 1985, que narra las aventuras en el bosque del gnomo David y su familia, con un importante trasfondo educativo en temas como ecología, amistad y justicia.
 
El tema musical coincide en casi su totalidad con la canción "The Pan Within" de The Waterboys. Hay un vacío legal respecto a ese incidente. No se ha podido determinar quién plagió a quién.
 
Está basada en los libros Los gnomos y La llamada de los gnomos (Het leven der kabouters), de los neerlandeses Will Huygen y Rien Poortvliet, escritor e ilustrador, respectivamente.

La vida de los gnomos
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La serie presenta a los gnomos como una especie bonachona, de 15 centímetros de altura, a los que se debe añadir el gorro cónico omnipresente, y entre 250 y 300 gramos de peso. Según su hábitat, se distinguen distintos tipos de gnomos: el del bosque, el del jardín, el de la granja, el de la casa, el de las dunas y el siberiano. Normalmente se casan a la edad de 100 años y su longevidad es exactamente 400 años. Claman ser siete veces más fuerte que un hombre, en relación a su tamaño, pero deben andar con cuidado de no ser pisoteados por estos cuando se adentran en el bosque.
 
Viven en pareja en cómodas cuevas o en "madrigueras" bajo un gran árbol, en compañía de una pareja de ratones y un grillo guardián. Su dieta es ovovegetariana, sólo comen los productos de la naturaleza y los huevos que les regalan las aves que han tenido una puesta muy abundante. Se ayudan de los animales del bosque para viajes de largas distancias o cuando se requiere llegar pronto a un sitio. Son grandes conocedores de los secretos de la naturaleza y detestan los daños que el ser humano le causa. Tienen el poder de la telepatía.
 
Sus principales enemigos son los troles, unos personajes malolientes y torpes que siempre están incordiando a los demás habitantes del bosque.

Faceta educativa

La serie se caracteriza por un afán de transmitir unos valores más respetuosos con el medio ambiente que los usuales de los humanos. El primer capítulo comienza con unas imágenes reales sobre contaminación, destrucción, masificación, etc., haciendo hincapié en lo nefasto de estos comportamientos. Lo contrastan con el antimaterialismo y pacifismo de los gnomos.
 
Durante la serie se presentan distintos animales y se dan datos sobre su comportamiento y costumbres, normalmente bien documentados. Lo mismo ocurre con las situaciones médicas a las que se tiene que enfrentar David.
 
Un rótulo en los créditos iniciales de cada capítulo recuerda que Nadie es mejor por ser más grande.
 
Un saludo y que Dios os bendigue!

​Alicante es la ciudad donde vivi desde los 7 años hasta los 22 años, esta ciudad se halla a orillas del Mediterráneo, en una planicie sorteada por una serie de colinas y elevaciones. El monte Benacantil, con 169 m de altura, sobre el que se asienta el Castillo de Santa Bárbara, domina la fachada urbana y constituye la imagen más característica de la urbe. En esta encontramos también el Tossal, donde se asienta el castillo de San Fernando, la sierra de San Julián o Serra Grossa, las lomas del Garbinet y el Tossal de Manises. Entre estas discurren barrancos y vaguadas, algunos completamente ocultos por el crecimiento urbano como las ramblas de Canicia, Bon Hivern o San Blas-Benalúa; otras, de más envergadura, se hallan canalizadas como la Rambla de las Ovejas o la del Juncaret. Al sur de la ciudad hay una zona pantanosa, el saladar de Agua Amarga y al noroeste se encuentran las Lagunas de Rabasa.
En la línea de costa cabe señalar las playas que son, de norte a sur: San Juan, La Almadraba, La Albufereta, El Postiguet, Agua Amarga, El Saladar, y las de la isla de Tabarca. Entre las playas de La Albufereta y la de San Juan está el Cabo de la Huerta, con numerosas calas: Calabarda, Cantalares, Los Judíos, La Palmera.
Hay un gran desnivel dentro de la misma ciudad: mientras que el ayuntamiento está a 0 m y se toma como referencia para medir la altura de cualquier punto de España, hay barrios al mismo nivel, como la Playa de San Juan, otros a más altura como el Pla del Bon Repós y San Blas a 30 m, Los Ángeles a 75 m o la Ciudad Jardín del General Marvá y Virgen del Remedio a más de 80 metros.
El término municipal abarca poco más de 200 km² y destaca como máxima elevación los 1.209 m del Cabezón de Oro.3​ También hay montes de menor altura como las sierras de las Águilas, La Alcoraya, Mediana, Fontcalent (426 m), Sancho y los Tajos, que separan Alicante de las comarcas del Vinalopó. Estas elevaciones son formaciones compuestas por materiales calizos, margas y areniscas. En cuanto a la hidrografía cabe señalar las cuencas del río Monnegre o Seco y de la Rambla de las Ovejas. Destaca también la isla de Tabarca, frente al cabo de Santa Pola y que forma parte del municipio.
El clima es una maravilla y cuando he vivido en Lieja o en Paris lo he echado mucho de menos junto a su cercanía con el mar.
Un saludo y que Dios bendiga a todos!

Un artista cuya parte de su obra me inspira a hacer lo que yo hago.
​Hervé di Rosa (Sète, Francia 1959) artista que vibra con la pasión por el color y los objetos impresos, es fundador del movimiento de la figuration libre, el equivalente galo al neoexpresionismo alemán o la transvarguardia italiana, que reivindicó en los 80 la influencia de las culturas populares en el arte contemporáneo."Cuando era joven las tiendas y las librerías me atraían más que los museos. Los fascículos de cómic a la venta en los kioscos, los afiches y carteles de cine, el papel de embalar la fruta… todo lo que estaba impreso me llamaba muchísimo la atención. Y esa curiosidad siempre ha permanecido intacta", relata mientras aclara los pinceles en un barreño de color gris. Di Rosa, optimista militante que conversa en un lenguaje mestizo, portuario y, sin proponérselo, divertido, ha residido en Etiopía, Bulgaria, Vietnam, Suráfrica, Ghana, Camerún, Túnez, Cuba o en ese Nueva York donde a principios de los 80 eclosionó el arte urbano y él trabó amistad con Keith Haring. También en México DF, donde conoció a su actual esposa, la diplomática Victoire Bidegain, cuyo nuevo destino fue en la embajada francesa de Lisboa.
Aunque su obra es figurativa, a Hervé di Rosa le gusta resaltar su deuda con la pintura matérica, casi escultórica, e incluye en los cuadros elementos como vidrio o arena. Sin embargo, su universo estilístico, asegura, está más cerca del pintor francés Bernard Buffet que del art brut de Dubuffet y le sirve para homenajear una importante corriente de la pintura española del siglo XX que encarna su admirado Tàpies.
​En Francia comienza ahora a revisarse la gran contribución estética de la figuration libre al arte y el intercambio cultural. Junto a sus compañeros de generación, como Robert Combas, Remi Blanchard, François Boisrond y su propio hermano Richard, Hervé di Rosa trabajó y expuso entre 1981 y 1985 en Estados Unidos y París, a menudo en alianza con colegas como Keith Haring o Jean-Michel Basquiat. Su obra se puso de moda, las galerías le solicitaban cada vez más encargos. Y de pronto, decidió "que no quería vivir para el cheque" y se abandonó a ese nomadismo que es la base de su gran proyecto personal, La vuelta al mundo de Hervé di Rosa, un recorrido que le ha permitido nutrir su propuesta gráfica de discursos visuales de diversas ciudades. En México DF, por ejemplo, que constituyó la Etapa 12, las estampas de luchadores, mariachis y piñatas se adhirieron a su mundo de extraterrestres y criaturas fantásticas en una celebradísima fusión. "Cuando me asiento en un país, aprovecho para trabajar con talleres de artesanos, de los que aprendo técnicas locales que incorporo a mi obra. En Camerún fue así con los escultores de bronce, en Vietnam aprendí en los talleres de nácar y en México hice piezas con los cartelistas", ejemplifica.
Una nueva visión y ejemplo a seguir.
​Que Dios os bendiga!

Un museo que visito con frecuencia en la ciudad de Alicante:
​​El museo de Bellas Artes Gravina (MUBAG) (en valenciano: Museu de Belles Arts Gravina) está situado en la ciudad de Alicante, (España), y dentro del palacio del Conde de Lumiares, edificio de cuatro plantas construido entre 1748 y 1808 y declarado Monumento Histórico Artístico de carácter local.
 
Este museo está dedicado a la pintura y escultura alicantina, desde el siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XX. Actualmente, su labor se centra en la exposición de la colección perteneciente a los artistas alicantinos más destacados del siglo XIX y a la figura del pintor local Emilio Varela Isabel.
 
El siglo XIX en el MUBAG
«El siglo XIX en el MUBAG. De la formación a la plenitud de un artista», reúne lo más sobresaliente de la pintura alicantina del siglo XIX. La exposición quiere dar a conocer la carrera y los logros de los principales artistas de la provincia, presentes en la colección de Diputación y que contribuyeron a dar fama a la llamada escuela valenciana, hoy referente en la historia del arte español. La muestra se enriquece con piezas que por primera vez se exponen en Alicante. El resultado final es único y fruto de la colaboración con obras procedentes del Ayuntamiento de Alicante y de las colecciones de museos tan importantes como el museo Nacional del Prado y el museo Sorolla, en Madrid y el museo de Bellas Artes de Valencia.
 
La muestra se compone de más de sesenta obras, ordenadas cronológicamente, que narran las etapas por las que pasaba un pintor de la época: primeros años de formación, participación en Exposiciones y premios obtenidos en ellas; plenitud artística y reconocimiento internacional.
 
La colección de la Diputación de Alicante cuenta en sus fondos con una amplia representación de los artistas que destacaron a partir de la segunda mitad del siglo XIX. En 1863, la Diputación decidió apoyar la creación artística alicantina mediante la concesión de pensiones, para que los artistas pudieran ampliar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid)y, después, en los grandes centros del arte mundial Roma y París. Fue así como se formó el gran núcleo de pintura del XIX que alberga la colección actual, con los ejercicios del examen para obtener la beca y los cuadros y esculturas obligatorias que los artistas enviaban desde el extranjero. Prueba de ellos son las obras de Fernando Cabrera, Pedro Serrano Bossio o Francisco Bushell, entre otros.
 
De la Pinacoteca Nacional se cuenta con catorce obras, destacan las premiadas en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, en las que fueron asiduos participantes los artistas de la provincia como Vicente Poveda, Ricardo Navarrete y Fos o Heliodoro Guillén, con cuadros de historia y realismo social.
 
El tema del retrato y el costumbrismo también están presentes en la exposición con magníficos ejemplos de la producción de Emilio Sala, Antonio Gisbert y Joaquín Agrasot en la plenitud de sus carreras.
 
La incorporación de la figura de Joaquín Sorolla pone punto final a una etapa de pintura de estudio, marcada por el academicismo, dando paso a temas pintados al aire libre donde lo importante ya no es el rigor en la representación, sino la transmisión de otros conceptos como la luz y el color. Estos valores de la pintura de Sorolla, serán el referente de los artistas alicantinos a comienzos del siglo XX, como el caso de su discípulo Emilio Varela.
 
Emilio Varela en la colección de la Diputación de Alicante
El 16 de diciembre de 2011 se inauguró la exposición «Emilio Varela en la Colección de Diputación de Alicante», en la sala "Emilio Varela", en la planta baja del MUBAG. Con esta exposición comenzó el proyecto ideado para este espacio: dar a conocer la trayectoria de Varela y la transcendencia de su patrimonio legado. Para difundir la figura del pintor Emilio Varela, la exposición mencionada más arriba, eje central del proyecto, se enriquece con muestras temporales que nos completan o descubren otras facetas del artista, siempre vinculadas a su obra, a su vida, a su época y a la relación con la cultura de su momento.
 
Hoy en día, se presenta un retrato de Isolda Esplá, hermana de Óscar Esplá, titulado Retrato de Isolda Esplá e hijo. La presentación de este nuevo cuadro se acompaña de un panel explicativo con reproducción de fotografías antiguas, en el que se narra la niñez y juventud de Isolda Amanda Esplá, la amistad entre Isolda Esplá y Emilio Varela y los retratos de Isolda Esplá realizados por Varela, su estudio y su datación.