En Lacontra Centre de Creació i difusió d'Art de Barcelona hasta el 30 de junio
Existen obras pasmosas, asombrosas, desconcertantes que condicionan definitivamente nuestra relación con el mundo. De quedarnos únicamente con dos obras de este Panteón imaginario tendríamos, con total seguridad, a Malevitch y van der Weyden. ¿Qué relación guardan entre ellos? Malevitch está presente en van der Weyden o viceversa, no importa. Comparten retórica, afición por lo sublime, por el color rojo, porque se trata de eso, la afición por la sangre de la crucifixión y por la belleza en sí. Rojo = belleza = sacralidad. Luego están el blanco y el negro, o el día y la noche, la luz y su ausencia. ¿Lo tenemos todo? Siguen faltando aquellas cosas, esos cuerpos en movimiento que se posan de vez en cuando, se sobreponen a menudo, cargan con su imagen como se lleva un velo... Aprende con ello que desde la superficie de los cuerpos se escurren sin cesar finos tejidos, imágenes impalpables. Lucrecia, De natura rerum, libro IV.

Para gustos los colores y os voy a presentar una película que a mi me ha gustado mucho, desde su bso hasta su guión.
Esta película nos presenta un mundo de fantasía y color, que rompe con el estilo cinematográfico de los últimos años. Los personajes, junto con sus peculiaridades, son presentados de una forma original. Cada detalle es importante: desde el pez suicida hasta el gnomo de jardín que “recorre el mundo”. y su bonita fotografía de París, nos hace ser transportados a la atmósfera de optimismo y felicidad en la que vive la protagonista, interpretada por una Audrey Tautou, transmitiendo sentimientos que no dejan indiferente al espectador.
Igualmente, el final es intenso, tierno y mágico, dando en conjunto un excepcional resultado que roza la perfección.
Amélie es un placer para el espectador y merecedora, junto con su director Jean Pierre Jeunet, de tantos elogios, ya que se trata de una obra de arte.
Sencillamente genial.
Un saludo y gracias por leerme.

De los pocos comics estadounidenses que he leído, Capitán América (en inglés Captain America), cuyo nombre real es Steve Grant Rogers, mejor conocido como Steve Rogers es un superhéroe y justiciero ficticio que aparece en cómics estadounidenses publicados por Marvel Comics. Creado por los historietistas Joe Simon y Jack Kirby, el personaje apareció por primera vez en Captain America Comics  (marzo de 1941) de Timely Comics, predecesor de Marvel Comics. El Capitán América fue diseñado como un supersoldado patriota que luchaba frecuentemente contra las potencias del Eje en la Segunda Guerra Mundial, y fue el personaje más popular de Timely Comics durante el período de guerra. La popularidad de superhéroes se desvaneció después de la guerra, y el cómic del Capitán América dejó de editarse en 1950, con un breve resurgimiento en 1953. Desde que Marvel Comics revivió al personaje en 1964, el Capitán América se ha mantenido en publicación.
 
El Capitán América viste un traje que lleva un motivo de la bandera de los Estados Unidos, y está armado con un escudo (compuesto de una aleación de un metal Extraterrestre "Adamantium" y de Vibranium que se encuentra en continente Africano y más específicamente en el país de Wakanda) indestructible el cual arroja a sus enemigos. El personaje es generalmente representado como el álter ego de Steve Rogers, un joven frágil mejorado a la cima de la perfección humana por un suero experimental para ayudar a los esfuerzos inminentes del gobierno de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Cerca del final de la guerra, él queda atrapado en el hielo y sobrevive en animación suspendida hasta que es revivido en el presente. A pesar de que el Capitán América a menudo lucha por mantener sus ideales como un hombre fuera de su tiempo con sus realidades modernas, él sigue siendo una figura muy respetada en su comunidad, incluyendo el convertirse en el líder de los Vengadores durante mucho tiempo.
 
El Capitán América fue el primer personaje de Marvel Comics que apareció en medios fuera de los cómics con el estreno de la serie de 1944, Captain America. Desde entonces, el personaje ha aparecido en otras películas y series de televisión, más recientemente en el Universo Cinematográfico de Marvel interpretado por Chris Evans en Captain America: The First Avenger, The Avengers, Captain America: The Winter Soldier, Avengers: Age of Ultron, Captain America: Civil War y Avengers: Infinity War.
 
El Capitán América está en el sexto puesto en el Top 100 Héroes del Cómic de Todos los Tiempos (2011)​ de IGN, y en el segundo puesto en su lista de Top 50 de Los Vengadores (2012).​ según algunas publicaciones.
Un saludo y que Dios os bendiga!
 

Acrílico y rotulador sobre pequeño lienzo, espero os guste y que Dios os bendiga!
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En sus libros el pensador francés Gilles Lipovetsky (París, 1944), más que juzgar, lo que hace es una descripción de nuestra realidad para que reflexionemos sobre ella. Profundiza en las características de nuestra cultura actual: el hedonismo comercial, el hipercapitalismo causa de la mundialización económica, el individualismo narcisista, la trivialización de la sexualidad y su uso como reclamo comercial... Pero también, cómo ha afectado al arte. ¿Existe un nuevo concepto de cultura?, ¿vivimos la época del capitalismo artístico?, ¿qué papel juega el comercio en nuestras emociones? Sobre estas cuestiones nos habla el filósofo, autor, entre otras obras, de «La estetización del mundo»(Anagrama), y que acaba de publicar un libro con el sugerente título de «Plaire et toucher» (Gustar y tocar).
En su libro afirma que en la época del capitalismo artístico los valores económicos predominan sobre los valores estéticos. ¿Cómo ha afectado eso al arte?
Es un tema complicado. Desde el siglo XIX hemos establecido una separación tajante entre los valores del arte y los valores de la economía: el arte era una cosa pura, desinteresada y no comercial; por otro lado, estaba el negocio, lo comercial, la búsqueda de dinero. Y entre esos dos mundos no había puente, no se podían vincular. Además, críticos de arte inteligentes como Baudelaire o escritores como Flaubert y luego los de las vanguardias artísticas detestaban el capitalismo. Y el capitalismo consideraba el arte como un tipo de decoración; era algo bonito, y poco más. Era como una bailarina. Existía al margen del mundo de la economía.
¿Cuándo cambiaron las cosas?
Creo que las cosas cambiaron desde hace medio siglo, aproximadamente. Andy Warhol comprendió bien ese punto de inflexión. Parece que el capitalismo es cada vez más capaz de integrar la dimensión artística. Basta con mirar el desarrollo de las marcas donde hay un trabajo de diseño hasta en los objetos más sencillos. Es evidente en el desarrollo de las tiendas, la investigación estética, la mercadotecnia, los escaparates; se busca una valoración estética de los productos comerciales que demuestra que el límite entre la economía y la estética es mucho más difuso que antes. Incluso en las marcas que no son de lujo. Por ejemplo, Zara en España ha tenido éxito vendiendo productos poco caros pero en tiendas muy bonitas. De este modo, la decoración, las cosas bellas están al alcance de todos.
Hoy en día los productos se distinguen por su diseño.


Y el éxito de Apple, por ejemplo, se debe en gran parte a su diseño. Por otra parte, con la considerable producción industrial de hoy en día, la competencia económica está impulsando una enorme inversión en este aspecto. La dimensión estética, la dimensión del estilo, ya no es una cosa marginal; está en el centro del funcionamiento del capitalismo. Por eso he hablado de un capitalismo artístico, es decir, un sistema económico que incorpora la dimensión del arte de forma permanente y le otorga un peso considerable. Hoy en día, las industrias culturales como la música y el cine son formas artísticas comerciales; son comerciales, pero son arte de todos modos y tienen un peso enorme. Anteriormente el arte era un mundo pequeñísimo que no tenía peso en la sociedad, pero hoy día es considerable. Cabe señalar que en Estados Unidos las industrias culturales, sobre todo el cine, las series de televisión y la música, generan más beneficios que Boeing. Son la primera exportación de Estados Unidos; la creación estética se ha convertido en un motor económico.
Se crean nuevos valores...
En mi opinión, no son los valores los que importan, es el mundo que se construye lo que es importante. Lo importante es que el mundo en el que vivimos ha sido estetizado por una máquina económica; el capitalismo ha sido capaz de producir un mundo de arte, películas y música con una diversidad notable, y que ahora crea empleo, permite el crecimiento y las exportaciones. Igualmente, es el mercado hoy el que transforma nuestro entorno colectivo con la calidad de los objetos que nos rodean, sobre todo el diseño. Solo hay que ver la diferencia entre los cafés y los restaurantes de Madrid en los años cincuenta y los bares y restaurantes de ahora, tan chics, con mucha decoración y en espacios muy atractivos, y sobre todo muy diversos.
La España de los años cincuenta era la época de la austeridad.
Por supuesto, y en Francia era igual. En el pasado, la estética era para los ricos. Por supuesto que existían el arte, los salones, pero para un mundo muy reducido. En el campo no había nada, no había ninguna investigación estética. Hoy en día, el capitalismo ha permitido que la estética esté en todas partes. La gente tiene objetos bonitos, escucha música en sus teléfonos o en sus iPods, se viste con ropa de calidad. Algo ha cambiado profundamente.
Otra evolución muy interesante es la de los museos.
Desde el siglo XVIII, el museo no tenía nada que ver con la economía. El museo era el lugar para las obras maestras, la rentabilidad no era un objetivo. Hoy sí, los museos tienen ahora una función económica. Una vez más, el capitalismo ha sido capaz de introducirse en un mundo que anteriormente era puro. Hoy se espera que los museos tiren económicamente de toda una región: en Bilbao construyeron el Guggenheim y gracias al museo la ciudad ha podido renacer; el museo ha transformado la ciudad, que se ha convertido en el segundo destino turístico de España. Los museos tienen un impacto enorme sobre la vida económica.
También ellos han manifestado un cambio significativo.
Antes existía el mundo del arte por un lado y, por otro lado, el mundo de los negocios, la banca, el gran capital, etc. Pero en la actualidad es muy distinto, como demuestra el caso del museo: la ciudad invierte en un museo porque espera beneficios, consecuencias económicas para la región, para el desarrollo del turismo cultural, que aporta mucho dinero. Es más, el turismo se basa en la dimensión estética; los turistas quieren ver cosas nuevas y bellas.
Otro fenómeno sería la explosión del mercado del arte.
Es un fenómeno a tener en cuenta; algo que pone de relieve cómo el capitalismo, poco a poco, se ha interesado en la dimensión del arte. En treinta o cuarenta años, el mercado del arte ha adquirido dimensiones considerables y se ha convertido, además, en un lugar de especulación. Durante largo tiempo era un mundo de aficionados, de pequeñas galerías, era un mundo muy reducido. Pero hoy el mercado del arte es muy importante, los artistas llegan a ser ricos en poco tiempo. Ahí también los valores económicos han podido inmiscuirse en el mundo del arte.
Es díficil que no se entremezclen en nuestra época.
Creo que asistimos a la hibridación del mundo del arte y del mundo económico. Antes, los dos mundos estaban separados. Pero cada vez más nos encontramos en entornos donde existen vínculos y mestizajes entre esos dos mundos que antes estaban separados. Antes mencioné a Andy Warhol, y él en los años sesenta marcó esa transición escribiendo una frase muy interesante: «I am a business artist» (soy un artista comercial). A partir de entonces, algo cambia. La vanguardia, a la que pertenecen Warhol y el Pop Art, ya no es un mundo separado del dinero, sino que reivindica el dinero. Warhol lo reivindica, lo afirma. Dice que el artista hace negocios, y que el negocio es arte. Se trata de un desarreglo, de algo totalmente nuevo que construye un mundo bastante interesante.
Entonces, ¿no es muy pesimista al respecto?
No comparto la visión pesimista de los que dicen que ahora no hay nada más que el dinero y el mercado y que, por lo tanto, la creación artística ha muerto. Godard decía eso en relación con el cine, decía que ya no existía el cine, que solo quedaba la televisión. Pienso que es completamente falso. Claro que existe un cine comercial, pero en la actualidad hay una multitud de creaciones diversas en la música, en la moda, en el cine que ponen de manifiesto una riqueza enorme en la creación. Y no vivimos en sociedades sin creatividad, es más bien lo contrario. Las creaciones son menos espectaculares que antiguamente, pero porque son tan numerosas y porque el mercado hace que todo desaparezca muy rápido. Pero no hay que tener una visión apocalíptica sobre esto. Una vez más, la ley de la hipermodernidad es la mezcla de mundos que antiguamente se encontraban separados: existía el mundo del arte y el mundo de los negocios. Hoy en día, los negocios utilizan el arte. Y el arte se ha convertido en un modo de vida; no hay que ser un artista pobre y maldito como Van Gogh. El mundo del arte ya no es así.

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Por muy larga que sea la tormenta, el sol siempre vuelve a brillar entre las nubes.
​Khalil Gibran (1883-1931)
​Ensayista, novelista y poeta libanés.

Ilustración hecha con rotulador sobre papel y después coloreada con técnica digital, espero os guste y que Dios os bendiga!
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El cine nació en París con la proyección de la película de los hermanos Lumiere ''La llegada de un tren a la estación de La Ciotat'' en 1895 y desde entonces se ha caracterizado por su originalidad y calidad artística.
El francés Melies con su ''viaje a a la luna'' de 1902 fue el primero en hacer una peli de ciencia ficción.
En los 60, en la revista crítica Cahiers du cinéma, críticos y amantes del cine discutirían sobre el cine y por qué funcionaba. La teoría del cine moderna nació allí. Además, los críticos de Cahiers como Jean-Luc Godard, François Leront, François Truffaut, Claude Chabrol, etc. decidieron hacer películas, creando lo que es conocido como Nouvelle vague.
Actualmente directores como Jeunet, Kieslowsky, Kassovitz o Besson nos deleitan con sus obras de arte y es que el cine francés esta muy protegido por el ministerio de cultura y goza de gran prestigio del público y la critica a nivel nacional e internacional.
Un saludo y gracias por leerme.