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Desde hacía algunos años vivió con una doliente obsesión: "¿Cuál será mi último cuadro?". Eduardo Arroyo lo repetía en algunas conversaciones a dos, mientras pintaba, esculpía, escribía compulsivamente y exponía por todas partes en una angustiosa —y terapéutica— huida hacia adelante. Él, que amaba el boxeo y acudía a las plazas de toros como un feligrés, se resistía al KO y escurría la parca a capotazos.
Pero en las últimas semanas intuyó la respuesta. Eran dos. Una pieza que terminó este verano en su casa de Robles de Laciana (León). Un óleo extraño que pintaba de noche, con dos submarinos acorralados en una entretela de fantasmagóricas imágenes. Y otro cuadro, que dejó a medias en su estudio de la calle de Costanilla de los Ángeles, en Madrid, sobre el que saldaba cuentas con los monstruos totalitarios de su bestiario particular: Stalin, Lenin, Mao… El primero lo mostró en fotos a sus amigos. El otro lo contó, pero no lo pudo acabar. Arroyo murió este domingo en su casa madrileña a los 81 años tras una lucha titánica con el cáncer. El tanatorio de San Isidro, en Madrid, acogerá hoy la última despedida al pintor, que será enterrado mañana lunes en Robles de Laciana.
También dejó listo un manuscrito de su interpretación de Los diez negritos a modo de última entrega de sus memorias. Completa así la trilogía compuesta también por Minuta de un testamento y Bambalinas, editados en Taurus y Galaxia Gutenberg. Este libro ya póstumo es un homenaje a Agatha Christie y a esa obra de suspense, ya saben, en la que van apareciendo cadáveres que rodean la escena y siembran inquietud. Fue una manera de reírse del destino.
Además, había dejado abierta su última exposición de esculturas en Segovia, inaugurada en el último Hay Festival y montada por él junto a Fabienne di Rocco, su más cercana colaboradora y comisaria de casi todas sus muestras. Preparaba dos más: una sobre sus pinitos de infancia en el Instituto Francés y otra en la sala del Botánico de Madrid, que le estaba organizando su amigo Alberto Anaut y de la que habló con él el jueves pasado. Fueron los coletazos a un año y medio hiperactivo, en el que arrasó con su antológica en la Fundación Maeght, de Saint-Paul-de-Vence (Francia) -donde solo antes habían expuesto un contado puñado de españoles: Picasso, Miró, Chillida, Tapies y Barceló-, su recorrido por el siglo XXI en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, invitado por Miguel Zugaza o el estand de EL PAÍS que preparó para Arco.
Así era Arroyo. Jamás decía que no a una propuesta que lo empujara y le invitara a dejar patente su originalidad de artista total: como creador plástico, escritor o escenógrafo. Como polemista, agitador, emprendedor y avivador de vocaciones ajenas en el arte, la literatura, la música, el periodismo…
Nació en plena guerra (Madrid, 1937). Pero lejos de caer preso de la doctrina nacional católica, sus padres lo metieron al Liceo Francés. Allí se aficionó a Balzac, a Voltaire, a Delacroix, a Rimbaud, a Baudelaire y a más remedios contra el oscurantismo al tiempo que ensayaba canastas como jugador del Real Madrid de baloncesto. Mientras, en los veranos de Robles de Laciana, por los montes de León, iba forjando algunos de sus símbolos al tiempo que cazaba moscas en la puerta de su casa junto a la abuela Concepción. En la fachada da fe de todo esto un insecto gigantesco que cubre la piedra a la vista para disgusto de algunos vecinos.
Ingresó en la Escuela de Periodismo de Madrid y pronto comprendió que el camino del futuro más próximo estaba en el exilio voluntario. Así que se fue a París -donde agitó el Mayo del 68 a base de carteles propios e impulsos iconoclastas- y a Roma, dos ciudades que se alternaron siempre en su imaginario creativo. Porque Arroyo era, ante todo, un artista europeo, con esa identidad heredera de la España abierta y tolerante que sembró la Institución Libre de Enseñanza, de la que bebió talante y cerró un círculo propio del azar, conviviendo en sus últimos 20 años con Isabel Azcárate, su mejor cómplice y heredera también de esa diáspora por Venezuela. Arroyo formó en esas conexiones medio clandestinas un nexo necesario entre aquella España arrojada al exilio con sus mejores armas y vocaciones, llamada a regenerar con cosmopolitismo, modernidad y rupturas su cuna en cuanto se reimplantara la democracia.
Y así volvió, a finales de los setenta, ya consagrado no solo como pintor y escritor, también como escenógrafo de ópera y teatro en todo el continente junto a su amigo Klaus Michael Grüber. Con él había debutado en 1969 en el Piccolo Teatro di Milano. La suya fue una relación fructífera y monógama que les hizo triunfar como tándem en Francia, Italia, Alemania, España o el Festival de Salzburgo, siempre de la mano, hasta 2008. Apenas le fue infiel en ese campo salvo para hacer algún trabajo con José Luis Gómez en España o para decorar el festival de música que durante 18 años desarrolló codo con codo con la pianista Rosa Torres-Pardo y la arquitecta Lourdes Manzano en su pueblo de León.
Por Europa había explorado la nueva figuración en los sesenta y se había convertido en un referente fuera y dentro de su país. Con tino, talento desmesurado y voz de indomable apátrida, empeñado en borrar fronteras para armar mundos, después de haberse lanzado al arte en París y expuesto con 22 años el Salón de la Jeune Peinture, hacia 1960.
La década de los setenta le sirvió para abrirse a América. Allí llegó a exponer en el Guggenheim de Nueva York, en 1984. A la par, iba regresando sin acabar de decidirse del todo a España. Pero no le faltó mucho para ser reconocido con una antológica en el Reina Sofía en 1998. Más tarde, en 2012, pudo presumir de ser de los pocos artistas vivos al que se le habían abierto las puertas del Museo del Prado. Fue con una reinterpretación de El cordero místico, de Jan van Eyck, encargo de Zugaza, entonces director de la pinacoteca.
En todas esas décadas no dejó de escribir. Su obra literaria posee un insólito estilo que aúna la erudición fregada con ironía, la precisión de la mirada de reportero, la maestría memorialística y la preclara teoría personal de la creación en cualquier campo. Lo mismo cuajó un perfil legendario del boxeador Panamá Al Brown, que confeccionó su propia e insólita guía del Museo del Prado en Al pie del cañón y el ensayo a capricho en Sardinas en aceite o El trío calaveras, por citar obra fundamental, más allá de sus tres tomos de memorias.
En todo salpicaba brillantez, coraje, mirada propia e irreverencia. Aunó una visión del mundo entrelazada y particular con cuadros que se podían leer y textos que conducían al lector hacia una orgía de imágenes. No se escabullía ante sus paradojas. Cuando lo entrevistabas respondía con tanta clarividencia en sus contradicciones que era capaz de decir una cosa y a la vez la contraria sin perder jamás la razón. Fue absolutamente inspirador y magistral en lo que quiso involucrarse. Todo lo hizo, como confiesa en su Minuta de un testamento, "con añoranza e impaciencia". Y así, también, se zampó la vida a carcajadas.

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La belleza es aún más difícil de explicar que la felicidad.
Simone de Beauvoir (1908-1986)
Novelista e intelectual francesa.

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En el Matadero de Madrid hasta el 28 de octubre
El Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid presenta la exposición Devuélvannos el oro, resultado del trabajo realizado por Colectivo Ayllu durante su periodo de residencia en el Centro. Devuélvannos el oro es una reflexión sobre su experiencia como cuerpos disidentes sexuales y migrantes. La muestra recopila textos históricos de conquistadores y cronistas coloniales, vídeos que documentan performances anticoloniales e instalaciones interactivas. Para la preparación de esta exposición, Colectivo Ayllu ha colaborado con artistas como Sergio Zevallos, Jota Mombaça, Yuderkys Espinosa, Carlos León-Xjiménez o Daniela Ortiz. La exposición cuenta con 16 piezas entre las que se encuentran los vídeos de las performances El abominable pecado de la sodomía, realizada en el Muelle de las Carabelas o Serían unxs criadxs magníficxs, desarrollada en el Museo Nacional de Antropología. Colectivo Ayllu es un grupo colaborativo de investigación y acción artístico-política formado por agentes migrantes, racializados, disidentes sexuales y de género provenientes de las ex-colonias. El colectivo propone una crítica a la blanquitud como ideología heteronormativa colonial europea y al proyecto global de las ciudades multiculturales. Ayllu considera que esta aparente multiculturalidad funciona como una estrategia ornamental y simbólica que instrumentaliza la migración y la condición de refugio como cortina de humo para esconder los negocios neoliberales, las ONGs o la industria de los Derechos Humanos. Ayllu -que significa familia en quechua, no necesariamente unida por un vínculo sanguíneo-, forma parte de una transformación colectiva y de un momento de especial visibilidad del movimiento antirracista y anticolonial de este país. Es, junto a Conciencia Afro, uno de los colectivos residentes en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid que está participado enteramente por cuerpos migrantes, negros o racializados.

En mi estancia en París tuve la desagradable experiencia de sufrir racismo por parte sobretodo de seguidores del Frente Nacional y al ser la primera vez que lo vivía no supe llevarlo bien.
Lo que más me extrañaba era que estos racistas eran hijos de inmigrantes ya sean de primera, segunda o tercera generación, algunos con padres de raza negra o árabes, surrealista.
 
Este partido se declara abiertamente xenófobo, racista y antieuropeista.
 
 En el programa del FN los sindicatos son un villano y en la medida de lo posible deben ser eliminados. En su lugar habría que implantar una políticacorporativista, similar a la del régimen de Vichy, en la que asalariados y empresarios tendrían los mismos intereses en la buena marcha de las empresas.
 
En cuanto a las mujeres, hay que señalar que serían el primer blanco de la política demográfica del FN y de sus posturas archiconservadoras. El FN propone la creación de un sistema de ‘salario maternal’ cuyo resultado final sería el de reenviar a las mujeres a los“cuidados del hogar”. Es probable que la extrema derecha vea en esta reducción de la fuerza laboral una “solución” al problema del desempleo.
 
El Frente Nacional propone la salida de la unión monetaria. El abandono del euro implicaría inmediatamente una fuerte devaluación, la explosión de la deuda y desencadenaría las presiones inflacionarias que tanto preocupan a Marine Le Pen. Los asalariados pagarían el alto costo de esta medida, pero eso al Frente Nacional le tiene sin cuidado.
 
La política de Marine Le Pen deja ver una peligrosa mezcla de miedo y racismo. Es un llamado a los viejos fantasmas europeos que podrían resurgir en medio de la crisis.
 
Una basura sin precedentes, saludos y gracias por leerme.

Esta asignatura la cursé en mi último año de carrera de Bellas Artes y podría llamarse perfectamente ''pintura y arte pop'' pues en ella aprendimos muchas técnicas de esta disciplina.
Principalmente aprendimos a pintar en tintas planas, a trasferir fotografias a otros soportes y a valernos de los collages o los ensamblages para expresarnos.
Pudimos exponer en clase la vida de un artista en concreto y al final se hizo una exposición en la que no participé.
Fué aqui donde tomé contacto por primera vez con la pintura acrílica después de haber pintado toda la vida al óleo.
Pintura y medios de masa me ayudó enormemente a pintar como lo hago ahora aunque no tiene nada que ver con lo que aprendí en la facultad.
Un saludo y que Dios os bendiga!

Acrílico y rotulador sobre lienzo, espero os guste y que Dios os bendiga!
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Una breve nota anónima anunciaba el 5 de enero de 1962 “un importante estreno, el de la ópera de Richard Strauss Arabella, novedad absoluta en España”. Y su tercer párrafo comenzaba así: “Con el estreno de Arabella se presentará una soprano barcelonesa de fama internacional: Montserrat Caballé”, añadía la información de La Vanguardia. Curtida en los repertorios alemán e italiano en el Teatro Municipal de Basilea y en la Ópera de Bremen, Caballé hacía por fin, con 28 años, el 7 de enero de 1962, el que sería su debut triunfal en Barcelona, su ciudad natal, donde falleció ayer a los 85 años después de varios episodios encadenados de una salud cada vez más frágil que la confinaron las últimas semanas en el hospital Sant Pau.

El Gran Teatre del Liceu, que acogió aquel debut, se convertiría en su segunda casa durante décadas y la adoptó de inmediato como una de sus hijas predilectas. Ahora que la soprano acaba de dejarnos, parece más pertinente que nunca recordar generosamente algunas de las frases sobre aquella jornada histórica —la primera interpretación de un nuevo papel o la presentación en un importante teatro de los cantantes realmente grandes quedan inscritas para siempre como jalones imperecederos en la historia de la ópera-- escritas en tono profético por el compositor y crítico Xavier Montsalvatge en su crónica del estreno: “Es admirable que Montserrat Caballé, formada artísticamente en el Conservatorio del Liceo, haya escogido para su primera manifestación ante nuestro público una obra tan tremendamente difícil que le obligó a emplear a fondo sus mejores facultades, sin contar con la compensación de los aplausos que podían haberle procurado una Bohéme, una Tosca o cualquier ópera italiana, con la que ha encandilado repetidamente el entusiasmo de muchos públicos”. Y añadía: “Su voz es clara, limpia, de un timbre que, sin ser penetrante, puede traspasar sin dificultad esta especie de ‘barrera del sonido’ que es la orquesta de Strauss, que se interpone entre los cantantes y el auditorio. Debe ser por la confianza que tiene la artista en el volumen de su voz que a veces la emplea con circunspección, complaciéndose en los pianos, en sutilizar el fraseo, cosa que, si bien le permite conseguir inflexiones expresivas de una belleza extraordinaria, la aproxima demasiado a los timbres orquestales, con los que llega a confundirse (como quizá hubiese deseado Strauss). Montserrat Caballé es una gran intérprete, no solamente, por la clase de su voz, sino también por haber superado todo cuanto necesita dominar una cantante de ópera. Su dicción es de una musicalidad exquisita. Se mueve en la escena con aplomo, sobriedad y calma, pero jamás inexpresivamente. El espectador tiene la sensación de que ve y escucha una artista formada en la mejor escuela de canto, poseedora de una experiencia de las tablas considerable. ¡Qué agradable comprobar que esto lo ha conseguido una artista nuestra en plena juventud!”.
A partir de entonces se sucedieron rápidamente los hitos: la sustitución in extremis de Marilyn Horne en una versión de concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York en 1965; el debut en la Metropolitan Opera ese mismo año como Marguerite en Faust de Gounod junto a un también debutante Sherrill Milnes; la Norma en el Teatro alla Scala y la Ópera de París en 1972 y, sobre todo, la que cantó, desafiando con arrojo a los elementos, en el Festival de Orange dos años después, con un estatus legendario; o su Adriana Lecouvreur en el Met junto a José Carreras y Fiorenza Cossotto y dirigida por Jesús López Cobos en su propio debut neoyorquino.

​Y, al margen de los escenarios, empezó asimismo, rodeada de los mejores colegas, un larguísimo rosario de grabaciones discográficas que se convirtieron muy pronto en referencias ineludibles. Cuatro botones de muestra: Turandot con Luciano Pavarotti, Joan Sutherland y Zubin Mehta; La bohème junto a Plácido Domingo y Georg Solti; Don Carlo, también con Plácido Domingo, Shirley Verrett y Carlo Maria Giulini; Roberto Devereux con su amigo José Carreras y Julius Rudel.

Con el paso de los años, Caballé demostró ser capaz de cantarlo prácticamente todo, desde el repertorio belcantista que exploró con infinita avidez y curiosidad, y que es quizás el que mejor se avenía a sus condiciones vocales, hasta los papeles verdianos de más peso, los grandes títulos veristas y algunas óperas straussianas, que ella imbuía de un desmedido lirismo. En la primera parte de su carrera, gracias a una voz, una técnica y una expresividad excepcionales, fue una intérprete inigualable de lo que Rodolfo Celletti llamó “el ejemplo de soprano de voz angelical del repertorio prerromántico”. Caballé encarnó entonces, en muchos sentidos, el arquetipo de cantante (y de persona) que resultaba fácil contraponer a Maria Callas. Desafuero expresivo (y vital) frente a la técnica considerada como prima inter pares (y una vida sin sobresaltos), nervio escénico frente a estatismo, carne versus espíritu, en Caballé primaba el canto considerado como una entidad propia, pura, abstracta, casi un elevado ideal platónico que ella se obstinaba en convertir en realidad tangible (y audible).

Familiar, muy apegada a su ciudad (“el regalo más grande que me ha hecho el Liceo, y no se rían, ha sido contratarme siempre por Navidad”, declaró a este periódico en 2012, cuando el teatro de las Ramblas recordó con una exposición el medio siglo transcurrido desde aquella juvenil Arabella) e incesantemente requerida por los mejores teatros de todo el mundo, archipremiada, volcada con denuedo como una sacerdotisa en la religión de su arte, Caballé hizo puntuales incursiones en territorios no clásicos, el más famoso de los cuales fue su sorprendente y empática colaboración con Freddie Mercury, con quien hizo la apología más eficaz que quepa imaginar de Barcelona como ciudad abierta e internacional. Pocos meses antes de los Juegos Olímpicos de 1992, Caballé recibía con varios de sus colegas (Victoria de los Ángeles, Teresa Berganza, José Carreras, Pilar Lorengar, Alfredo Kraus y Plácido Domingo) el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, que reconocía a una generación áurea del arte lírico español que ayer se ha quedado un poco más huérfana.

La soprano catalana también traspasó lindes que hubiera hecho mejor en no cruzar, afrontando papeles poco compatibles con sus cualidades vocales y su personalidad artística, como aquella Isolde que cantó en Barcelona y Madrid en 1989. Pero su voracidad artística no conocía fin, aunque ni siquiera una voz superdotada como la suya pudo ser inmune al desgaste del tiempo y al declive físico, de ahí que sus últimos años en activo, a menudo arropada por su hija Montserrat Martí, también soprano, mostraran una inevitable decadencia. Ella, sin embargo, proclive a una risa fácil y sonora, hija de una simpatía jamás impostada, felizmente atrapada en el único tipo de vida que amaba y conocía, quiso seguir ofreciendo su arte hasta el final. Aunque lo era a su peculiar manera (¿qué gran soprano no lo es?), declaró en 1994 que “no me siento como una diva. Me siento como una persona que ha dedicado toda su vida a la música que amo. Tratando de servir a la música lo mejor que he podido y de dar al público la voz con la que nací”.
Una voz milagrosa y omnímoda, pura plata de ley, que ahora, aunque cueste creerlo, acaba de entonar su último filato, ese recurso expresivo en el que la voz se adelgaza progresivamente hasta volverse un hilo casi incorpóreo, del que fue una maestra indiscutible y que tanto le gustaba prodigar en sus interpretaciones. El hilo de Montserrat, que nos guio por tantos y tan hermosos laberintos, se ha quebrado para siempre.

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La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega.
Leonardo Da Vinci (1452-1519) 
Pintor, escultor e inventor italiano.